Biographie
Jehan LegacPeintre figuratif françaisArtiste français, né à Paris. Il a vécu à Miami, à New York, à Ibiza et à Barcelone, et maintenant à Bangkok, où il expose.
Jehan Legac est un artiste visuel français dont la pratique traverse cinq décennies de photographie et de peinture.
Né à Paris, il reçoit à quatorze ans un appareil Yashica d’un père qu’il connaît à peine — parents séparés, présence lointaine.
Ce cadeau inattendu, reçu comme une offrande, devient le point de départ d’une vocation : le désir de bien faire, de ne pas décevoir cette figure absente. Il réalise ses premières photographies rémunérées à quinze ans, documentant les chats sur les toits de Paris pour une agence, puis produisant des constats d’expertise pour des collections de pierres dures destinées aux assurances. Il photographie sa sœur, et découvre peu à peu que la figure féminine sera son sujet — celui qu’il portera d’abord à l’objectif, puis au pinceau, toute sa vie.
En 1974, il est nommé photographe personnel de l’amiral Philippe de Gaulle au sein de la Marine nationale — une mission qui le mène du pôle Nord aux îles tropicales et lui offre une éducation visuelle exceptionnelle : lumière extrême, portrait officiel, discipline de l’image documentaire.
En 1984, il s’installe à New York, où il étend sa pratique à la photographie de mode et au design tridimensionnel. Miami et Los Angeles ponctuent ensuite son parcours.
À la fin des années 1990, il acquiert une maison à Ibiza — La Falaise — qui deviendra le lieu de sa révélation comme peintre. La demeure avait abrité l’atelier d’Elmyr de Hory, peintre d’un talent considérable devenu, avec le temps, l’un des faussaires les plus célèbres du XXe siècle et la figure centrale de F for Fake, d’Orson Welles et François Reichenbach — dont une partie fut tournée dans la maison même. Nuit blanche après nuit blanche, porté par l’atmosphère chargée de l’atelier et par l’Ibiza libre de cette époque, Jehan Legac se surprend à peindre jusqu’à l’aube — comme guidé par une main qui n’est pas tout à fait la sienne. Chaque matin, en découvrant les toiles de la nuit, il ne reconnaît pas pleinement le peintre qu’il est en train de devenir. Le cycle se répète plusieurs années, révélant peu à peu une pratique picturale qui finit par l’emporter sur le reste.
Depuis le début des années 2000, la peinture à l’huile s’impose comme l’aboutissement de sa recherche visuelle. En 2005, il découvre l’Asie par une foire à Pékin, sur invitation de NY Art Magazine, puis explore Shanghai, Manille et Bangkok. Il adopte progressivement un rythme partagé entre l’Europe et l’Asie — six mois à Ibiza, six mois à Bangkok — avant d’établir son atelier principal en Thaïlande. Il prépare aujourd’hui une présence à Hong Kong.
Six séries successives — rassemblées dans un portfolio consolidé — tracent l’évolution d’une pratique consacrée à la figure féminine : des nus expressifs des débuts (Nude Geometry, 2002 ; Essence Unseen, 2007–2010), par un cycle exploratoire (Neo Horizon, 2020–2021), jusqu’aux portraits contemplatifs et symboliques d’aujourd’hui (Aqua Veil, 2022–2023 ; Held Breath, 2024 ; Threads of Eternity, 2025).
Depuis 2024, il intègre des outils d’intelligence artificielle générative à sa pratique, comme un espace de transformation de ses archives photographiques personnelles. Sa pratique articule désormais trois disciplines : cinquante ans de photographie, l’IA comme laboratoire d’exploration, et l’huile sur toile comme geste manuel de l’achèvement. Il situe son travail dans la lignée des peintres qui, depuis Warhol, ont fait de l’image technique la matière première de la peinture.
Les œuvres récentes explorent le féminin comme présence contemplative — voilée, fragmentée, suspendue entre le portrait et l’icône. Grand format (jusqu’à 150 × 150 cm), la palette bleu-or-chair et le traitement des voiles constituent le vocabulaire reconnaissable de sa peinture.
Il prépare le lancement d’une monographie prévue pour 2027.
Démarche
Ma pratique réunit deux disciplines que je poursuis en parallèle depuis cinq décennies : la photographie et la peinture. Depuis mes premiers appareils à Paris dans les années 1970, en passant par les missions photographiques menées pour la Marine nationale sous le commandement de l’amiral Philippe de Gaulle — du pôle Nord aux îles tropicales — puis à New York et dans chaque capitale que j’ai habitée, l’image est restée ma langue.
J’ai aimé la photographie parce qu’elle offrait la maîtrise de l’instant : un millième de seconde suffit à saisir une lumière, un regard, un sourire, une angoisse, un danger qui ne se présenteront plus jamais tout à fait de la même façon. Mais une photographie vit rarement plus de soixante-dix ans, et cette fragilité m’a longtemps troublé — ces instants patiemment capturés étaient condamnés à s’effacer avec leur support. La peinture à l’huile sur toile, elle, peut traverser les siècles. Partager, des générations plus tard, une émotion scellée aujourd’hui dans le silence d’un atelier donne à ma générosité naturelle un plaisir qu’aucune image argentique ne m’accordera. C’est ce désir de durée qui m’a mené à la peinture.
Aujourd’hui je peins la figure féminine à l’huile sur toile, en grands formats. Mais avant que le pinceau ne rencontre la toile, une chambre noire d’un genre nouveau s’anime. Depuis près de deux ans, j’utilise l’intelligence artificielle générative comme un laboratoire — un espace où mes propres photographies, accumulées pendant des décennies, sont retravaillées, transformées, hybridées avec les intuitions du moment. L’IA n’est ni l’auteur ni l’œuvre : c’est un outil, comme l’était avant elle l’appareil argentique. Elle exige une maîtrise, un dialogue, une direction — un œil qui sait ce qu’il cherche.
Ce qui apparaît sur la toile — ces visages voilés, ces silhouettes suspendues entre présence et absence, ce dialogue entre le bleu profond et l’or — sort d’une mémoire visuelle patiemment construite. Je situe mon travail dans une lignée qui, de Warhol à Richter, de Chuck Close à David Salle, a fait de l’image technique la matière même de la peinture. Le geste manuel reste central : chaque œuvre est un objet peint, à l’huile, dans une technique séculaire.
Je cherche à faire naître, dans le silence, une figure féminine qui échappe au récit — une présence qui parle sans mots, mi-portrait, mi-icône, offerte à qui la découvrira, aujourd’hui ou dans trois cents ans.